声にだして読みたくなるブログ

大村高広丨建築と写真を中心に、音楽、映画、美術、人文学などについて書いている備忘録です。

MAR,10.2019_アアルト展の会場設計について

 告知もかねて、「アルヴァ・アアルト -内省する空間-アアルトの図書館と住宅」展の会場構成にあたって考えていたことを書いていきます。

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 この展覧会はアアルトの住宅と図書館に焦点をしぼり、とくにその内省的な空間の質に注目したもので、中心となる展示物は模型、とくに断面模型となるということは、こちらに会場デザインの依頼がきた当初から決まっていた。与えられた時間は一ヶ月強とものすごく少なかく、予算も限られていたので、できることといえば展示台をどう設計するか、そしてそれらをいかにレイアウト(配置)するかということのみ。

 展示空間はこざっぱりとしたホワイトキューブというよりはどこにでもある小さな市民ギャラリーのような雰囲気で、お世辞にも展示壁はキレイとはいえないし、地下の図書館の動線上に配置されているので実際の展示に使える面積は広くない。とはいえ大きなガラス面があることや展示室の奥に窓があることはおもしろく、かつ来場者の多くは必ずしも展示を第一目的に来ているわけではなくて、建築会館にきた「ついで」であることが予想された。人の往来が頻繁で自然光がたっぷり入る。あと床がきれい。条件としてはこんな感じ。わるくない *1

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 今回の展示タイトル「内省する空間」でも示されている「内省」というものをいかに思考するか、という問題が、会場デザインで終始意識していたことだった。内省すること、自らの考えや行動を深くかえりみること。展示の公式な英題は「introspective space」だったけど、個人的には「place for reflection」もしっくりくる 。内面に自発的に潜り込んでいく、というよりは、鏡にうつった自分をふとした瞬間に目撃する、というイメージのほうが、すごく直感的にではあるけれど、アアルトの建築の内省的な感触にマッチするように思う。

 鏡の空間、たとえば。そこで私は、鏡に反射する私自身をみる。私はそこで、私に似た像が私を模倣する瞬間と出会い、それと同時に、その反転した状況ーー眼の前のイメージを私自身が模倣する瞬間ーーとも出会う。フィリップ・ソレルス、そしてロブ=グリエを引きながら展開する宮川淳の一説を引用しよう。

似ていること、あるいはイマージュの根源的な体験。《僕》はたえず見つづけているが、しかし、それは鏡に映して、いいかえれば、現実の対象をではなく、すでにイマージュをであることは象徴的だろう。ここではイマージュはもはやなにものかの再現、いいかえれば、その背後にあるべき意味なり現実なりに送りつどけるのではない。それはそれ自体としてのイマージュ、単純に、そして純粋に似ていることなのであり、イマージュはいわばその背後によってではなく、その表面、それ自身の現前においてとらえられている。似ていること、このイマージュの根源的体験であり、魅惑であるもの、いや、それによって《僕》がとらえられているのだ。まさしくこの鏡のなか。(……)同じものであり、しかも同時にほかのものであること、それがあることとは別のところでそれ自体であること、それゆえに、ある〈中間的な〉空間、「表と裏、夜と昼ーーというよりも蝶番のように表と夜、裏と昼、そのどちらでもなく、しかも同時にその両者であるもの」、いわばこの非人称的な〈と〉の空間そのものの浸透であり、それがすべての自己同一性(「彼が彼と自分の肉体を占有しており、彼と彼の大きさを占めておりーー道のほこりにまみれてそこにある二本の足ーー時間と空間のすべてを占めており、それをかんづかれることなく離れようとする彼の努力にもかかわらず、ついに逃れうるものでもなく……」)をむしばむのだ。(……)この鏡の空間、この二重化の体験、この自己同一性の裂け目、それは《彼》が、たえず、そしてたとえば、車を全速力で疾走させることによって空しく期待していたものにほかならないだろう。しかしそれはまたすぐれて〈本〉の空間ではないだろうか。

宮川淳『鏡・空間・イマージュ』, 美術出版社, pp.33-34., 1967

アアルトの建築に登場する「本を読む空間」のことごとくが独特の内省的な空気をまとっているのだが、これは上記の宮川の指摘と決して無関係ではない(それどころかかなり深いところで関係していると思う)。この内省的な空間の質は「マイレア邸」や「ルイ・カレ邸」にみられる小さな図書室に限った話ではなく、「ヴィープリの図書館」や「ロヴァニエミの図書館」といった公共建築でも同様のことだ。ある種の切断的な、外部と切り離された独特のスケールをもった場所を、アアルトはしばしば読書空間として用意する。

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△左から「ロヴァニエミの図書館」、「ルイ・カレ邸図書室」、「マイレア邸宅ウィンターガーデン」©小泉隆 *2。 

 本を読むこと。この行為は、宮川が指摘しているように、対象に深く没入する(我を忘れる)経験であると同時に、自分自身を深く顧みる経験にもなりうる。我を忘れること、と、顧みることの絶え間ない往還、安定したコギト=自己同一性の二重化、その先に、「想像力にとって、もはやなにものかのイマージュなのではなく、イマージュそのものの根源的なイマージュにほかならない(『鏡・空間・イマージュ』, p.62)ものが現れる。「本を読む空間」の特異性はこの点にあるのであり、アアルトがそういった状況にたいしてどういった物理的環境を与えているのか、ということが、本展の重要なテーマである(とぼくは勝手に考えていた)

  こういった認識を前提として、会場構成としては展示物と一対一の関係で向き合うことが大切だと考えた。ひとつの展示物を複数人で同じ場所から眺める、ということではなくて、ひとりの鑑賞者がひとつの展示物を独占すること。 「あなたと私」という鑑賞者と展示物の対話的状況をつくること。本を読むように模型と出会うこと、宮川の表現を借りれば「鏡(あるいは〈と〉)の空間」にできるだけ接近した状況を限られた展示スペースのなかで用意すること。であればコンセプトは単純明快で、展示物の鑑賞位置を分散・独立させ、展示空間をできる限り広く使いながら配置すること、が必要条件となる。

 そのうえで、鑑賞者と展示物のひとつのセットーー「ここ」からの眺めーーが、展示室内に、どの方向をむいて、どの高さで、いくつあって、それらはどのような仕方で相互に関係しているのか、という問題を精査することが、自分に与えられた役割であると考えた。

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 少し脱線するのだけど、ヴォルフガング・ティルマンス(Wolfgang Tillmans)のいわゆる「散らし貼り」は、流行りまくってもはやスタンダートともいえるような写真の展示方法になってしまっている気がするのだけど、これはけっこう不幸な誤解をうけているんじゃないか、と思ったりする。ティルマンスの発案した展示方法の要は、展示室全体に星座のように、あるいは楽譜のように写真を配置したときのそのグラフィカルなかっこよさではなく、もっと即物的に、写真の鑑賞位置が展示室内に分散すること、だとぼくは思っている。つまり散らされるのは写真ではなく、鑑賞者の身体だ。

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△ Layout of Wolfgang Tillmans 2003 Tate Britain exhibition “If one thing matters, everything matters”

 ティルマンスの展示方法が大きな示唆を与えてくれるのは、展示空間をもっとも特徴づけるオブジェクトは、実は展示物ではなくそれを鑑賞する人間の身体なのだということだ。あなたがある作品をじっくりと見ているときに、他の鑑賞者の身体がどの位置にあり、どのような角度を向いていて、どれくらいそこにとどまっているのか。展示室において、複数の鑑賞者が特定の場所に集中しているのか、あるいは分散しているのか、で、作品の経験のされかたはまるっきり変わってしまう。鑑賞経験における他の鑑賞者の身体の位置を勘定に入れて会場構成をおこなうこと。ティルマンスの名前を(大変おこがましいと思いつつも)わざわざ挙げたのは、今回ぼくが考えていたことは、まさにこういうことだったからだ。

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 そもそも「断面模型」というものが結構特殊な展示物で、ひとりの鑑賞者の身体が他の人間の鑑賞を妨害さざるをない構造をもっている。たとえば建築の展覧会で断面模型が展示されているとき、前の鑑賞者がその模型を見終わるまで手持ち無沙汰になってしまう、ということはしばしばあることだし、あるいは後ろに迫ってきている他の鑑賞者のプレッシャーを感じながら急いで模型をみる、という経験もまたしばしば。

 いずれにしても今回重要だったのは、当たり前のように模型の前に長時間いすわって鑑賞を占拠すること、それをしてもいいというような雰囲気をつくること、だった。であれば、他の展示物(テキスト、写真、図面)にも、断面模型と同様の効果を付加してやればいいのではないか、と考えた。たとえばアクリルが載せられた写真は、ギリギリ近くまで寄ってみないと何が映っているかわからない。机上のアクリル-写真は、少なくともスツールに座って模型を眺めているあいだは、展示室の空間的な広さを拡張するためだけの装置となる。

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 模型をじっくりと眺めたあと、首を動かした先に写真が見える。しかしその場所からは、写真に何が映っているかはよく見えない。展示物をみるためには、身体を動かして近づかなければならない。テーブルの上のテキストも同様の効果を持っている。その鑑賞範囲は壁面に配置されるテキストに比べ格段に狭い。

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 個々の展示物を鑑賞しやすいように配置するのではなく、むしろ特定の体勢を促すように、鑑賞におけるごく微弱な拘束を少しずつ展示物に加えていくよう、サイズや色、距離関係をチューニングしていくこと。そうした個々の展示物のレイアウトを調整によって、展示室内の鑑賞者の位置、体勢、首の角度、動線や移動の速さ、等々は散り散りになっていく。翻ってはそれが、展示物(とくに断面模型)とのじっくりした対話的鑑賞を約束するものとなる(といいなと思う)。 

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 什器は天板の高さは950mmなので、展示室の下1/3はスカスカ、視線がすっと抜けた先には鑑賞者の足とスツールだけが点在する。天板の見付を薄く、かつ斜材がでてこない設計としたので、床のきれいさが際立ってくる、という想定。 

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 と、こんなふうに会場構成は進めていたのだけど、実際に展示がはじまってみてぼくの狙いはある程度成立していることがわかったので、いまは少しホッとしている。展示室内をぐるぐると歩き回るひとと、模型や写真、映像のまえに長時間居座っている人が同居している、という現象が起きていた。

 繰り返すが今回ぼくがおこなったのは、作品の鑑賞位置を特定の位置に集中させないため展示物を適切にレイアウトすること、と、それらの寸法を慎重に決定していくこと、に終始している。ある人物、ある展示物、ある場所がつくるひとつの個別具体的な「ここ」からの眺めのセットーー鑑賞者と展示物の局所的な関係性のもつれーーのレイアウトの検討、というと聞こえはいいが、作業は死ぬほど地味なもので、各関係者とやりとりをしつつ展示台や展示物の配置を微妙に変化させ、現場での即興的な判断の混入も受け入れながら修正と調整を延々繰り返す感じ。しかし個人的にはこの作業、意外と性に合っていたようで、すごく面白かった。会場構成、またやってみたい。

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 あとは細かいポイントをいくつか。模型を覗いたときの視点で撮られた写真が、模型の向こう側に、向きを変えて配されている。内観写真の外側の状況がとなりの模型をみたときにわかるような関係性。ここでは模型と写真のアングルを揃えて並べるというオーソドックスな方法をとっておらず、同じ建築物のふた通りの眺めが隣接するという状況を優先している(いずれにせよ写真をみながら模型をみることはできないのだから)

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 いわば複数のパースペクティヴの併置(juxtaposition)。細かいポイントとはいったものの、これは個人的には結構重要なレイアウトの指針で、写真を選定し使用許可を交渉していたときからそれを配置する段階まで、終始意識していた。展示室内に配置される現実空間の身体もさることながら、写真や断面模型によって立ち上がる架空の身体の位置(その建築のどこに自分が立っているのか)もまた分散・複数化させ、一望できない視点から建築の全体を再編成することがうながされる、ように。

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  複数の知覚のセットにともなってあらわれるのは複数の断片化した「私」であり、それを段階的に統合していく(あるいは複数の相容れなさとして併置させていく)プロセスこそ、建築経験が生成する現場である。であれば、まさに展示室で起こるであろうこともまた、うまくやれば、きわめて建築的な経験となるだろう。現実の建築作品のリプレゼンテーションではなく、それによく似た、とはいえまったく別物の建築経験が生成する現場として展示経験を構成すべきだ、ということは、レイアウトの作業を進めていて強く思ったことだ。建築は1 / 1を展示室に置くことのできないジャンルなので、そのためには思い切った判断と工夫が必要になる。

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 もうひとつ細かいポイント。消火栓置場となっている小部屋はこのギャラリーの結構厄介なポイントなのだけど、そこにプロジェクターを設置し、スクリーンに映像をリア投影することでデッドスペースを隠しつつ活用することにした。非常時に備え密閉することはゆるされないので、これが最善だと判断。左側の壁は展示壁になっていないが、コンクリート壁の面取り部分の隙間に木片を木殺しによって嵌めることで解決している。職人・堀越一希による展示台と同じジョイント方法。

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 最後に、本展では展示物に穴を開けないという態度が通底している。今後の巡回に備え、壁面の展示物はマグネットやクリップで留め、机の上の写真やキャプションは透明のアクリルをおくだけ、図面は文鎮で抑えるだけとした。ちなみに東京ステーションギャラリーで開催中の「アルヴァ・アアルト もうひとつの自然」展は、葉山→名古屋→東京ときて、次は青森に巡回するらしい(青木さんの青森県立美術館!)ので、この展示も青森までいってくれないかなぁ、とみんなで話していた。

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 ということで、会場構成で考えていたこととしてはこんなところだろうか。当然だけど、展覧会において会場構成はできるかぎり透明になることが求められるし、それが最も重要なことだと個人的にも思う。展示物に集中していただくのが何より大切なことだ。とはいえ、この記事をよんで展示に興味をもってくれた方がいたら嬉しいし、また、何を考えてこういう構成にしたのか、ということはきっとすぐに忘れてしまうだろうから(ぼくは忘れっぽいし会期も短いしで)、こうして備忘録を残しておくことも自分にとっては大切なことだったりする。加えて今回の実践が、この展示に関わってくれたあらゆる個々人にとっての、今後の設計のための探索・検討素材に少しでもなればいいと思う。

 ともかく、この展覧会が、アアルト建築のもつ空間の豊かさの一旦を垣間見る機会になっていただければ何よりである。残りは会期一週間。ぜひぜひよろしくお願いいたします。

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*1:あとから聞いた話だけど、この場所は建築学会の報告的な場所として使われることが多く、展示什器をわざわざ制作したり、会場の構成をあれこれ練ったりすることはめずらしいみたい。

*2:今回の展示会では、建築家であると同時に自らの写真を用いた多数の著作を出版されている小泉隆氏に、写真をご提供いただいた。たとえば 小泉氏の著書『アルヴァル・アールト 光と建築』(プチグラパブリッシング, 2013)では「光」というテーマからアアルトの建築がきわめてフレッシュに捉え直されている。資料性も高く写真も美しい良書である。